ANDREI RUBLEV (1966) - FILM REVIEW
Filmes biográficos são sempre fascinantes. Contar histórias de pessoas insólitas que passaram pela nossa existência muitas vezes nos faz pensar nobre nossos próprios atos e como seriam se fossem contados nas telas. Como diz a citação erroneamente atribuída a Charles Chaplin: "- A vida é uma peça de teatro que não permite ensaios. Por isso, cante, chore, dance, ria e viva intensamente, antes que a cortina se feche e a peça termine sem aplausos."
Hoje vamos falar de uma destas figuras fascinantes: Andrei Rublev, considerado o maior pintor russo de ícones, afrescos e miniaturas para iluminuras. O filme de sua vida foi dirigido por ninguém menos que Andrei Tarkovsky, e é um dos grandes filmes soviéticos da história do cinema.
O filme conta, logicamente, a vida de Andrei Rublev, o grande pintor soviético do século XV, um período de intensa turbulência e também de diversas dificuldades pelas quais passavam o povo russo. Na época o país sofria com a pobreza, a rigidez da igreja ortodoxa e também as invasões tártaras. Nesse cenário caótico, estão inseridos os diversos episódios da vida de Andrei, que mais tarde abandonaria seu trabalho como pintor, para se dedicar a Deus.
Como dito, o filme foi realizado por Andrei Tarkovsky, um diretor singular que mostra seus filmes a busca pela compreensão da existência e assimilação das respostas encontradas. Para Tarkovsky, uma das grandes particularidades da arte, é sua intenção de influenciar as pessoas a partir do impacto emocional da obra e não por provas materiais. A arte tem de ser sentida, pois o artista penetra como uma energia que sobrepuja a razão de uma exposição informativa. Desta forma um espírito de comunhão entre o artista e o público é essencial, pois o criador não busca a comunicação através do científico. Filmes são feitos para que os homens tentem se comunicar, partilhar informações e assimilar experiências. Dentre seus filmes mais reflexivos estão Solaris, Stalker, Nostalgia e o próprio Rublev.
O filme ficou censurado pelas autoridades da ex-União Soviética durante anos, por questionar o enfoque narrativo da História. No inverno de 1966 o filme estava pronto e foi para exibições privadas para pessoas selecionadas. A primeira mostra oficial foi em fevereiro de 1969 em Moscou, seguido por uma exibição no Festival de Cannes em maio de 1969. O ator Anatoli Solonitsyne conseguiu o papel ao ir ele próprio até a Mosfilm se oferecer para interpretar o personagem principal. O personagem de Danil é baseado em Danil Chyorny (1360 - 1430), um pintor russo e da companhia de Andrei Rublev. Acredita-se que ele pintou a Catedral de Assunção em conjunto com Rublev.
Por ser uma obra que retrata um artista que viveu entre os séculos XIV e XV, há poucas informações sobre sua vida. Nem mesmo a década do seu nascimento tem-se certeza. Tarkovsky e seu co-roteirista Andrei Konchalovsky trabalharam por mais de dois anos no roteiro, estudando escritos e crônicas medievais e livros sobre história e arte medievais.
Neste filme, o diretor utilizou seu próprio desenvolvimento criativo e lutas religiosas como uma maneira de interrogar o cristianismo como um axioma da identidade histórica da Rússia. Existem duas igrejas principais mencionadas. Catedral Dmitrievsky (1194) está localizada na cidade de Vladimir. A Catedral da Anunciação fica em Moscou e é uma amálgama de igrejas e capelas dos séculos XIV ao XVI. É a segunda catedral mais antiga do Kremlin.
O orçamento inicial era de 1,6 milhão de rublos, mas foi cortado várias vezes para um milhão de rublos (em comparação, a Guerra e a Paz de Sergei Bondarchuk tinha um orçamento de oito milhões e meio de rublos). Como resultado das restrições orçamentárias, várias cenas do roteiro foram cortadas, incluindo uma cena de abertura mostrando a Batalha de Kulikovo.
Para a cena em que a vaca está pegando fogo, ela estava coberta com um casaco de amianto que a protegia de ser queimada. Mas para a cena em que o cavalo cai da escada, ele foi baleado no pescoço pelo diretor Andrei Tarkovsky . A equipe adquiriu o cavalo de um matadouro onde seria morto no dia seguinte.
O filme foi batizado primeiramente de "A Paixão segundo Andrei", embora este título não tenha sido usado para a versão lançada do filme. O primeiro corte do filme tinha mais de 3 horas e 15 minutos de duração antes de ser editado até o comprimento liberado. O primeiro corte foi concluído em julho de 1966. Goskino exigiu cortes no filme, citando sua duração, negatividade, violência e nudez. Depois de Tarkovsky concluir esta primeira versão, levaria cinco anos para que o filme fosse amplamente lançado na União Soviética. As demandas do ministério por cortes resultaram em uma versão de 190 minutos. Apesar das objeções de Tarkovsky expressas em uma carta a Alexey Romanov, presidente de Goskino, o ministério exigiu mais cortes, e Tarkovsky reduziu a duração para 186 minutos. No final das contas, "A Paixão segundo Andrei" saiu pela Criterion, com 205 minutos de duração.
Em 1973, o filme foi exibido na televisão soviética em uma versão de 101 minutos que Tarkovsky não autorizou. As cenas mais notáveis que foram cortadas nesta versão foram a invasão dos tártaros e a cena mostrando pagãos nus. O epílogo que mostrava detalhes dos ícones de Andrei Rublev estava em preto e branco, pois a União Soviética ainda não havia feito a transição completa para a TV em cores.
Em uma entrevista, Tarkovsky afirmou que o homem voador no prólogo é "o símbolo da ousadia, no sentido de que a criação exige do homem a oferta completa de seu ser. Se alguém deseja voar antes que isso se torne possível ou lançar um sino sem ter aprendido como fazê-lo ou pintar um ícone, todos esses atos exigem que, pelo preço de sua criação, o homem morra, se dissolva em seu trabalho, se entregue inteiramente ".
Tarkovsky escolheu filmar em preto e branco, mas o epílogo mostrando alguns dos ícones de Rublev, em cores. Ele motivou sua escolha com a alegação de que na vida cotidiana não se percebe conscientemente as cores. Consequentemente, a vida de Rublev é em preto e branco, enquanto sua arte é em cores. O filme foi, portanto, capaz de expressar a co-dependência da arte de um artista e sua vida pessoal.
A sequência de cores dos ícones de Rublev começa com apenas os detalhes selecionados, chegando ao clímax no ícone mais famoso de Rublev, The Trinity. O filme finalmente termina com a imagem de cavalos no rio na chuva. Para Tarkovsky, os cavalos simbolizavam a vida, e incluir cavalos na cena final (e em muitas outras cenas do filme) significava que a vida era a fonte de toda a arte de Rublev.
Obra prima.
